Hoornik magazine

Translated by Gisele Albo - gisele.albo@gmail.com

Vladimir Merchensky is considered an original contemporary watercolour exponent in Buenos Aires. He has painted since his childhood, but he feels that he could dedicate himself to the profession because of a singular experience as a teacher, when in 1997 while he was a student at the Faculty of Architecture, a drawing professorship summoned him as a teaching assistant. Having taught lessons at the UBA, the IUNA, the UP and the UNLa, by the end of 2010 he opened TantaTinta Watercolour School, which nowadays has 150 students per year, has posted on social networks more than two thousand works of art.

Having been trained in color by Gorriarena, and admirer of Arnheim and Dondis texts, he applies the same analytic method to write teaching material where he lays the foundation of watercolor grammar. In that text he theorizes what is called as Synthetic Valorism, a space non projective or reversible representation propose, bas-relief heir, that is amazingly simple and didactic for the academic work. That´s why he wants to give a TED talk about the topic. “I gave a name to something that has always existed” he said, and then he illustrated with an example “this summary is evident in Xul Solar, Hokusai, Gurvich or Sosabravo, but much more in a Mayan or Egyptian bas-relief”.

He designed and painted the album Mirrors, from Andrés Ciro Martinez, and an animated video to Me darás mil hijos. He illustrated some public highway campaigns from the Ministry of Culture of Buenos Aires and the tourist bus that goes all over the city, too. Artists like Pablo Solari, Viviana Barone and G. Baloriani choose his studio to improve their management of watercolor. He worked for The Global Fund against AIDS, Absolut Vodka and The ACSEC Board of the Europe Commission. He curated an exhibition for the Festival of India in Buenos Aires. He made a raid into poetry, mural painting, body painting, graphic humor and production of cinematography and theater objects.

Nowadays, he travels around the country teaching watercolor seminars, records explanatory videos and he is writing a contemporary watercolor book which looks for expanding the technique, questioning the naturalist stereotype that lives in the collective prejudice.

When people look at your work art, they wonder at knowing that is watercolor work art, what is the reason of that amazement? How does it make you feel?

Traditional watercolor is almost a nineteenth-century naturalism annex with its palette linked to ground colors and its desaturation to white. But that typecasting it has been only an outdated prejudice for a century. Watercolor has vast expressive possibilities and it´s not by chance that the first abstract painting has been painted with it (we have to remember that watercolor has a lot of history from Egypt, India, etc). But in the tight-fisted local market, where the art collectors prefer canvas over paper, it has little dissemination.

In a world full of images, contrast and depth are necessary, and this makes me feel that the tradition is not enough. Having worked as a advertising agent, Carlos Gorriarena had so clear the idea of that necessity and he used to transmit it. When I tried to extend his logic to watercolor, I had to investigate the materials, and thus I took black ink to increase the contrast of chiaroscuro and water-based inks for getting higher chromatic intensity. Both of these resources expand significantly and cover a broad spectrum of the watercolorist action without causing any harm to their discourse openness.

Despite the fact that you must have high-quality paper and materials to see every effect what watercolor could give us, it´s practical, noble, playful, delicate, transparent and powerful. The amazement that you talk about makes me feel a huge satisfaction, and there are lots of other amazing places where the watercolor lives thanks to many little-known artists. To explode those spaces, it must be used by more hands.

The reason why you are in watercolor teaching is that. And you emphasize that using high quality materials it's enough to learn.

Yeah, I believe that everybody can find a huge satisfaction using a cotton piece of paper, a petit gris brush and a small watercolor studio set in a short period of time. If we compare the investment required by photography or make up, this is a short one.

And maybe it´s not necessary to go to classes because sometimes the teacher view is a partiality, a dogma that overrides possibilities. If you want to get it, you must develop playful spirit and perseverance. Paulo Freire showed us that teaching is coming along with somebody and that a class is always something extra. The best art students always end up questioning and taking distance from the teacher. My work finish when the students start to rely on themselves. Their learning is that.

Self-referential. So we can say that you looked for your own way or method in your academic training. How did that search develop? How can you explain the recipe you found?

At that moment, Youtube didn´t exist, the written information was poor and I didn´t find teachers of watercolor. It wasn´t about learning painting; I wanted to control watercolor technique without the controlling issue.

My actual training started when I stood up in front of a class for first time, because at that moment appeared the necessity of ordering or structuring the information for teaching. I had to analyze the answers that I found in my studio, to prove and feed them with more information, but to trust in my intuition that made me arrive to them, too. Finally, the lonely self-taught exercise gave their results. Having remained so much time unaware of daily life political topics, I was surprised of my commitment with visual language discussions.

But, despite the fact of having followed some trends of thought, I don´t believe and I don´t want to have a closed-method or recipe, or at least I would try not to turn it into a dogma that forces me to repeat what I am. I´m so interested in finding the black holes of the subject I´m studying.

But, could you explain with few words your way of working with watercolor?

I work layer-by-layer according to the fragility that each one has. The dry watercolor moves with a new water brushstroke, that´s the reason of why the detail must be given at the end. 

The first layer can be a very playful patch, a freedom one with accidental or gestural character. I keep whites of abrupt, halo or blur boundary, sweeps and some singularities of greater presence with brief water effects to look for main details on that grime or aging. This first step could be described as a personal dialogue full of admiration to Tápies, Bacon, Alfredo Prior or Penovác.

When the base is dried, I return to a mental exercise where I draw with a light line pencil the topic general structure. I prefer the expressionist distortion instead of academic drawing and psychological semanticization instead of realism. In that lines today could appear influences from Gurvich, Guayasamin or Shaun Tan but this changes all the time.

After that, I work with shading to define the scene lights. I replace the contours by gradient lines following bas-reliefs syntax. This layer is a Xul Solar direct heritage.

Then I apply the whole color, with intense transitions on the tensions of the round and glazes of complementary colors on the rests. It´s the moment when I chat with my dear Gorriarena, but I read Antonia Guzmán, Altieri, Nigro or Torres García works, too.

The last layer is used for textures and detailed dry ornaments. I´m interested in getting a watermark of transparency and superposition, of polychrome related and line modulations. I refer to Klimt, Toorop, Hundertwasser or probable to my Russian and Moro ancestors.

It seems as if you don't worry so much about “what” but “how” giving more importance to the technique than the topic.

On one hand, It´s not a pleasure for me to explain, look for an anecdote and provide a verbal language to my paintings.  I feel I´m not in my element if I wrap the visual speech with a costume of literature. There is more than enough abstract and packaging in that sophistication badly called contemporary art.

On the other hand, when I´m painting the topic appears without effort, or I use to have some topics or pending sketches. And I learnt how to paint without a topic, in a dialectical game of dropping, organizing, dropping, and adjusting. The point is to give up the projective routine and live in the present.

Without false humility, I know that I´m improving my knowledge and that learning demands a focus in poetic. Watercolor is a huge book of which I could skim over the index and some pages. Some time ago, I compiled haphazardly –a salad of artists in PDF format that my students use of reference– where I have more than three thousand of watercolorists to study and order their resources, and is very clear to me the vastness of the topic I propose to analyze: I´m writing a manual of experimental watercolor.

Once you said that you made it up with your “art bug” through teaching, why?

When I was a student and I had to choose my profession to admit to college, my elder brother–who was attending philosophy and economy classes– told me about the importance of the social role in a profession. I used to see the artist as a narcissist person who needed to be recognized or praised and I considered the designer more valuable than it– an ethic and functional facilitator, and not a menial consumption accomplice–. While teaching my first drawing classes, I realized that I could feed that artist if I was an art teacher. I could accompany and urge other people to enable that freedom. So I chose Fine Arts. The scot J. M. Barrie wrote once “in my childhood I knew that I was near of giving up my games, and it seemed to be unacceptable; so I decided to keep on playing confidentially.” I feel deeply identify. To do art is to go on playing; is a right of all human race.

Do you have a wish, a dream?

I wish watercolor was trendy. I wish I joined colleagues or authorities’ strength and got capital and human resources to build a great watercolor industry –an art centre as DiTella Institute was, for example–. That´s why I joined Bea Strugo and the International Watercolor Society work.

Last year you hung one hundred watercolor paintings at the Recoleta, an art exhibition that was showed at San Isidro and Tigre, too; where is your professional future focus now?

John Manguel and Pilar Aparicio, my producers, say that it´s time to point to the international market. This year we are going to expose TantaTinta in Asunción, in the summer we are going to Punta Del Este, and next year I´m going to have the consulate support for an exhibition in New York. But I´m interested in going on teaching seminars in Argentine inland and opening art spaces in other countries where I could share my point of view about current watercolor.

Enlace al sitio de la publicación: facebook.com/hoornikmag

En Buenos Aires es un exponente original de la acuarela contemporánea. Pinta desde la infancia, pero siente que pudo volcarse a la profesión a partir de una experiencia singular como docente, cuando en 1997 y siendo alumno en la Facultad de Arquitectura, una cátedra de dibujo lo convoca como ayudante. Habiendo dado clases en la UBA, el IUNA, la UP y la UNLa, a fines de 2010 abre la Escuela de Acuarela TantaTinta que hoy, con ciento treinta alumnos por año, lleva publicado en las redes sociales más de dos mil doscientas obras.

Formado en el color por Gorriarena, y admirador de los textos de Arnheim y Dondis, aplica el mismo método analítico para redactar material didáctico donde sienta las bases de una gramática de la acuarela. Allí teoriza sobre lo que da en llamar Valorismo Sintético, una propuesta de representación espacial no proyectiva ni reversible, heredera del bajorrelieve, que resulta asombrosamente simple y didáctica para el trabajo académico. Por eso quiere dar una charla TED sobre el tema. "Yo puse una etiqueta a algo que existió siempre" dice, y luego ejemplifica "esta síntesis es evidente en Xul Solar, Hokusai, Gurvich o Sosabravo, pero mucho más en un bajorrelieve maya o egipcio".

Diseñó y pintó el disco Espejos, de Andrés Ciro Martínez, y un video animado para Me darás mil hijos. Ilustró algunas campañas de vía pública del Ministerio de Cultura porteño. También el bus turístico que recorre la ciudad. Artistas de la talla de Pablo Solari eligen su taller para profundizar en el manejo de la acuarela. Pintó para el Fondo Mundial de Lucha contra el Sida, Absolut Vodka y la ACSEC Board de la Comisión Europea. Curó una muestra en el Festival de la India en BA. Incursionó en poesía, muralismo, bodypainting, humor gráfico y realización de objetos para cine y teatro.

Hoy viaja dictando seminarios de acuarela por el interior del país, filma videos explicativos y está escribiendo un manual de acuarela contemporánea que busca ampliar el abanico expresivo de esa técnica, cuestionando el estereotipo naturalista que habita en el prejuicio colectivo.

Cuando el público ve tus obras se asombra de saber que son acuarelas, ¿a qué se debe ese asombro? ¿Y cómo te sentís con esto?

La acuarela tradicional es casi un apéndice del naturalismo decimonónico con su paleta emparentada de colores tierra y sus desaturaciones a blanco. Pero hace ya un siglo que ese encasillamiento no es más que un prejuicio trasnochado. La acuarela tiene vastas posibilidades expresivas y no es casual que la primera pintura abstracta haya sido ejecutada con ella. Pero goza de poca difusión en el mezquino mercado local, donde los coleccionistas prefieren la tela al papel.

En un mundo tan poblado de imágenes es necesario el contraste y la intensidad, es entonces cuando siento que esa tradición no alcanza. Habiendo trabajado como publicista, Gorriarena tenía muy clara esta necesidad y la transmitía. Cuando quise aplicar su lógica a la acuarela tuve que investigar materiales, y adopté así la tinta negra a la perla para aumentar el contraste de claroscuros y las tintas al agua para mayor intensidad cromática. Estos dos recursos sumados amplían notablemente el espectro de acción del acuarelista sin perjudicar en absoluto la transparencia de su discurso.

Si bien es cierto que para escuchar todo lo que tiene para decir hacen falta papel y materiales de alta calidad, la acuarela es práctica, noble, lúdica, sutil, transparente y potente. Me da una enorme satisfacción ese asombro del que hablás, y hay muchos otros lugares sorprendentes que habita ya la acuarela gracias a tantos artistas poco reconocidos. Para explotar esos espacios hacen falta más manos que la usen.

Por eso estás dedicado a enseñarla. Y hacés hincapié en que para aprender alcanza con usar buenos materiales.

Sí, creo que cualquiera puede, con una hoja de papel de algodón de grano grueso, un pincel redondo de toray y un pequeño set de acuarelas de estudio, encontrar una enorme satisfacción en un tiempo corto de práctica. Es una inversión pequeña comparada a la que exige el estudio de la fotografía o el maquillaje.

Y quizá no haga falta tomar clases, porque a veces el atajo del docente es una parcialidad, un dogma que anula posibilidades. Alcanza con cultivar el ánimo lúdico y la constancia. Freire nos mostró que enseñar es acompañar; que una clase siempre es de apoyo. Los estudiantes de arte más poderosos siempre terminan cuestionando al maestro y tomando conveniente distancia. Mi trabajo termina cuando el alumno consigue confiar en sí mismo. Ése es su verdadero aprendizaje.

Autorreferencial. Se puede decir que en tu formación buscaste tu propia maniera o método. ¿Cómo se desarrolló esa búsqueda? ¿Cómo explicás la receta a la que llegaste?

No existía YouTube, la información de los manuales era pobre y no encontraba docentes que se dedicaran exclusivamente a la acuarela. No se trataba de aprender pintura; yo quería dominar la acuarela.

Mi verdadera formación se inicia cuando me encuentro por primera vez al frente de una clase, porque ahí aparece la necesidad de ordenar o sistematizar para poder transmitir. Tuve que revisar las respuestas a las que había arribado en el trabajo íntimo de mi taller, justificar y alimentarlas con más información, pero también confiar en la intuición que me había hecho llegar a ellas. El solitario ejercicio autodidacta por fin daba flores. Habiendo permanecido tanto tiempo ajeno a cuestiones políticas de la vida diaria, me sorprendió verme tan comprometido políticamente con muchas discusiones que giran alrededor del lenguaje visual.

Pero a pesar de haber fraguado algunas posturas, no creo ni quiero tener un método cerrado o receta, o por lo menos me cuidaría de hacer de esto un dogma que me obligue a repetirme. Me interesa mucho más encontrar los terrenos baldíos en el mapa que estoy estudiando.

Pero ¿podrías explicar en pocas palabras tu manera de trabajar la acuarela?

Trabajo por capas según la fragilidad de lo que lleva cada una. La acuarela seca se corre ante un nuevo golpe de agua, por lo que el detalle va al final.

La primera capa puede ser una mancha muy lúdica, de mucha  libertad y carácter gestual o accidental. Con breves golpes de agua reservo blancos de borde abrupto o esfumado, barridos y unas pocas singularidades de mayor presencia buscando acentos protagonistas sobre esa mugre o envejecido. Este primer paso podría describirse como un diálogo íntimo y lleno de admiración por Tápies, Bacon, Prior o Penovác.

Secada esa base, vuelvo a un trabajo mental donde dibujo a lápiz con trazo liviano la estructura general del tema. Prefiero la deformación expresionista al dibujo académico y la semantización psicológica al realismo. En esas líneas hoy podrían aparecer influencias de Gurvich, Guayasamin o Shaun Tan pero esto cambia todo el tiempo.

Seguidamente, trabajo el sombreado para definir las luces de escena. Reemplazo los contornos por gradientes siguiendo la sintaxis de un bajorrelieve. Esta capa es una herencia directa de Xul Solar.

Luego aplico todo el color, con transiciones intensas en las tensiones del recorrido y veladuras de complementarios en los descansos. Es el momento en que converso con mi querido Gorriarena, pero también leo a Antonia Guzmán, Altieri, Nigro o Torres García.

La última capa es para texturas y ornamentos minuciosos. Me interesa llegar a una filigrana de transparencia y superposiciones, de policromía emparentada y modulaciones de trazo. Me remito a Klimt, Toorop, Hundertwasser o seguramente a mis antepasados rusos y moros.

Pareciera ser que das más importancia a la técnica que al tema, como si te preocupara menos el qué que el cómo.

Por un lado, no me da ningún placer explicar, recurrir a una anécdota y proveer de un lenguaje verbal a mis pinturas. Envolver ese discurso visual con un disfraz de literatura no es mi lugar. Ya hay más que suficiente abstract y packaging en esa sofisticación mal llamada arte contemporáneo.

Por otra parte, cuando estoy pintando el tema aparece sin esfuerzo, o suelo tener varios temas o bocetos pendientes. Y aprendí a pintar sin un tema, en un juego dialéctico de soltar, ordenar, soltar, ajustar. Salir de la rutina proyectiva y habitar el presente.

Sin falsa humildad, sé que estoy formándome, y ese aprendizaje exige un foco en la poética. La acuarela es un libro grande del que pude hojear el índice y algunas páginas. Armé hace un tiempo una compilación caprichosa –una ensalada de artistas en PDF que  mis estudiantes usan de referencia– donde tengo más de dos mil acuarelistas para estudiar y ordenar sus recursos, y es muy claro para mí la vastedad del tema que propongo: estoy escribiendo un manual para la acuarela experimental.

Dijiste una vez que te reconciliaste con tu "bicho artista" a partir de la docencia. ¿Por qué?

De estudiante, cuando debí elegir mi vocación para ingresar a la universidad, mi hermano mayor –que cursaba filosofía y economía– me habló de la importancia del rol social en una profesión. Yo veía al artista como un ser ególatra necesitado del aplauso y me pareció más valioso el diseñador –en tanto facilitador ético y funcionalista, y no un cómplice servil del consumo–. Al dictar mis primeras clases de dibujo me di cuenta que podía alimentar ese artista si era a la vez un capacitador de artistas. Acompañar e instar a que otros se habiliten esa libertad. Entonces pude irme a Bellas Artes. El escocés J.M. Barrie escribió una vez "en mi infancia yo sabía que se acercaba el tiempo en que debería renunciar a mis juegos, y eso me parecía intolerable; entonces resolví seguir jugando en secreto". Me identifico profundamente. Hacer arte es seguir jugando; es un derecho de toda la especie humana.

¿Un deseo, un sueño?

Que la acuarela se ponga de moda. Aunar fuerzas de colegas o autoridades y conseguir los recursos capitales y humanos para hacer una gran usina de la acuarela –un polo como lo que fue en artes el DiTella, por ejemplo–. Por eso me sumo al trabajo de Bea Strugo y la International Watercolor Society.

El año pasado colgaste cien acuarelas en el Recoleta, una muestra que itineró por San Isidro y Tigre; ¿adónde apunta tu futuro profesional ahora?

John Manguel y Pilar Aparicio, mis productores, dicen que es tiempo de apuntar al mercado internacional. Este año exponemos TantaTinta en Asunción, en el verano vamos a Punta del Este y el año que viene cuento con el consulado para una muestra en Nueva York. Pero también me interesa mucho seguir dictando seminarios en las provincias y abrir espacios en otros países donde compartir mi punto de vista de la acuarela de hoy.